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The Reluctant Revolutionary im Arabischen Frühling

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Sat, 11 Feb 2012 11:14:55 +0100

Der Jemen lag in den vergangenen Monaten eher im Windschatten der öffentlichen Aufmerksamkeit, die sich zunächst auf Tunesien und den Tahrir-Platz, dann auf Libyen und aktuell vor allem auf Syrien und Ägypten richtet. Immerhin war der Jemen parallel zum Berlinale-Auftakt wieder kurz in den internationalen Schlagzeilen: Das eindrucksvollste Pressefoto des Jahres wurde bei den Protesten gegen den autokratischen Staatschef Saleh aufgenommen.

Seit Jahren hatte der Jemen eindenkbar schlechtes Image: Als armer, von Rivalitäten zwischen Clans zerrissener Nachbar der ölreichen Golfmonarchien und Zufluchtsort von Al-Qaida wurde der Staat auf der Arabischen Halbinsel, wenn er nach neuen Entführungen westlicher Touristen oder neuen Drohnen-Angriffen der CIA mal wieder kurz ins Blickfeld geriet. Sean MacAllister wollte im Auftrag der BBC über Kais berichten, der als Hotelbesitzer und Reiseführer unter den instabilen Verhältnissen besonders leidet. Die Aufnahmen in McAllisters Dokumentation The Reluctant Revolutionary zeigen eine reizvolle Gebirgslandschaft, die dazu prädestiniert wäre, Besucher anzulocken.

Genau in den Beginn der Dreharbeiten platzten die Selbstverbrennung in Tunesien. Binnen Wochen flammten fast übrerall in Nordafrika und Arabien Proteste gegen die feudalen Strukturen und die Chancenlosigkeit der Jugend auf. McAllister nutzte die Chance, änderte sein Konzept und begleitete seinen Protagonisten durch die Umbruchszeit. Wie der Filmtitel schon verrät, will Kais zunächst nichts damit zu tun haben, als er von einem Protestcamp in der Hauptstadt Sanaa hört. Er nimmt die jungen Leute nicht ernst, die nach dem Vorbild des Tariert-Platzes dort ausharren und ihre Schuhe gegen die Großbildleinwand werfen, als Salehs Rede dort übertragen wird.

Kais kaut lieber Khat, die landestypische Droge, und sorgt sich um seine private Existenz: Das Hotel musste er schliessen, mit der Miete für das Reisebüro ist er seit Monaten im Rückstand und seine Frau droht, ihn zu verlassen. Mit verwackelten Handkameraaufnahmen filmen McAllister und Kais heimlich die ersten Demos, noch recht distanziert, für Kais ist das nicht mehr als ein Reiseführer-Job.

Die Stimmung kippt, als die Sicherheitskräfte am Friday of Dignity brutal auf die Proteste einknüppeln und es zu zahlreichen Toten und Verletzten kommt. Jetzt positioniert sich auch der unpolitische Kais klar auf der Seite der Regimegegner, als er hautnah miterlebt, wie Freunde und Nachbarn schwer verletzt werden.

The Reluctant Revolutionary ist ein gelungener Auftakt zur Dokumentarfilmreihe der Berlinale. Zur Premiere brachte der Regisseur auch seinen Hauptdarsteller Kais mit. Er berichtete, dass Saleh mit einigen Finten und Scheinangeboten im Amt bleiben wollte, schließlich aber doch nach 33 Jahren zurücktreten musste. Aktuell ist die Situation dort erstaunlich ruhig, man erwartet mit Spannung die ersten freien Wahlen.

Die Bildrechte liegen bei Sean McAllister und wurden von Internationalen Filmfestspielen Berlin zur Verfügung gestellt.

Die Eröffnungsfilme

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Fri, 10 Feb 2012 10:04:03 +0100

Zur Eröffnung des Berlinale-Wettbewerbs wurde gestern der französische Beitrag Les Adieux à la Rein e gezeigt, der den Spagat zwischen historischem Kostümfilm und politischem Revolutionsdrama wagt.

Auf der Skala der Eröffnungsfilme bekamen wir von Regisseur Benoit Jaquot oberes Mittelmaß geboten: Kostümfilme neigen häufig dazu, dass sie allzu sehr in ihren Dekors schwelgen und hübsche Frauen in erlesenen Gewändern durch die Landschaft flanieren. An gutaussehenden Schauspielerinnen (Léa Seydoux, Diane Kruger, Virginie Ledoyen) herrscht in diesem Film wahrhaft kein Mangel.

Die Stärke des Films ist es, die Atmosphäre im Schloss Versailles am Vorabend der Französischen Revolution gekonnt nachzuzeichnen. Die Ereignisse werden aus der Sicht von Marie Antoinettes Vorleserin, Sidonie Laborde, erzählt: Im Hofstaat wird über merkwürdige Ereignisse getuschelt, auf den unteren Ebenen der Hierarchie weiß niemand etwas Genaues, hinter vorgehaltener Hand wird über einen Sturm auf die Pariser Bastille gemunkelt.

In langen Einstellungen wird debattiert, wie die Königsfamilie reagieren soll: Fliehen und dann mit treuen Verbündeten von der Festungsstadt Metz aus zurückschlagen? Oder kann man doch noch gelassen abwarten, bis sich die Unruhen in der Hauptstadt wieder legen?

Sehr im Spekulativen verliert sich der Film, als er die Gerüchte über eine lesbische Affäre von Marie Antoinette zu einer Gräfin in aller Ausführlichkeit auswalzt. Die Romanvorlage kolportiert schließlich ein Dreiecksverhältnis, das zu Lasten der unschuldig-naiven Vorleserin endet. Diese Nebenhandlung gewinnt am Ende die Oberhand über die interessante Studie über den Machtverfall, die den Anfang des Films prägte, und schmälert somit den positiven Eindruck.

Ein überraschend reifes Erstlingswerk eröffnete die Reihe Panorama: Umut Dag taucht in Kuma in das Beziehungsgeflecht einer türkischen Migrantenfamilie in Wien ein. Die Mutter ist an Krebs erkrankt und verfällt auf die Idee, aus einem anatolischen Bergdorf ein junges Mädchen zu holen. Offiziell wird die arrangierte Ehe mit dem Sohn der Familie geschlossen, der aber nur an Männern interessiert ist. Tatsächlich ist die junge Frau aus der Türkei als neue Ersatzfrau für das Familienoberhaupt vorgesehen.

Mit viel Feingefühl entwickeln Drehbuch und Regie ein bedrückendes Drama aus einer Parallelgesellschaft mit ihren eigenen rigiden Moralvorstellungen, überraschenden Wendungen, aber nicht ohne Aggressionen, Blut und Gewalt. Kuma ist ein sehenswerter Eröffnungsfilm, der die Spannungsverhältnisse unaufdringlich auslotet und vom Publikum mit viel Lob aufgenommen wurde.

Die Bildrechte liegen bei Carole Bethuel (Les adieux à la Reine) und WEGA Film (Kuma) und wurden von den Internationalen Filmfestspielen Berlin zur Verfügung gestellt.

Berlinale 2012: Vorbericht

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Mon, 06 Feb 2012 18:41:00 +0100

Typisch für die Berlinale ist ein Schmuddelwetter mit Matsch, Schneeregen und Triefnasen. Wahrscheinlich wird es auch gegen Ende des 10tägigen Festivals bei der 62. Ausgabe der Internationalen Filmfestspiele vom 9.-19. Februar wieder so werden. Aktuell hat die sibirische Kaltluft Berlin noch mit zweistelligen Minusgraden als Tageshöchsttemperaturen fest in ihrem eisigen Griff. Die Oscar-Verleihung, die bereits ihre Schatten vorauswirft, ist ohenhin eine starke Konkurrenz. Man darf aber nun umso mehr gespannt sein, wieviele Hollywood-Diven es wagen, im Abendkleid der Kälte zu trotzen und über den Roten Teppich zu flanieren.

Aus der Not, in puncto Glamour-Faktor nicht ganz mit Cannes, Venedig oder Los Angeles mithalten zu können, macht Festival-Direktor Dieter Kosslick eine Tugend und schärft das politische Profil des Festivals: Zwei Schwerpunkte sind klar erkennbar. Im Forum des Jungen Films sind drei Beiträge aus Japan zu Gast, die aus verschiedenen Perspektiven die Katastrophe von Fukushima aufarbeiten. vor allem im Panorama sind Dokumentarfilme aus der Arabischen Welt stark vertreten, die in den Arabischen Frühling vom Kairoer Tahrir-Platz bis nach Jemen eintauchen.

Der Wettbewerb um den Goldenen und die Silbernen Bären muss ohne ganz große Namen aufkommen. Gespannt dürfen wir auf Brillante Mendoza sein, der mit Captive in das Milieu der Abu-Sayyaf-Milizen im Dschungel der Philippinen eintaucht und in den vergangenen Jahren der Liebling anderer Filmfestivals war. Aus der Riege der deutschen Regisseure sind mal wieder die drei "üblichen Verdächtigen" Hans-Christian Schmid (Was bleibt, mit Corinna Harfouch und Lars Eidinger), Matthias Glasner (Gnade, mit Jürgen Vogel und Birgit Minichmayr am Polarkreis) und Christian Petzold (Nina Hoss als Barbara) vertreten.

Ein Blick lohnt sich auch auf die Sektion Generation 14 plus die längst mehr ist als das Jugendfestival des Filmmonsters Berlinale: Die Filme überraschen immer wieder durch ihren frischen, frechen Ton und ihre ernsten Themen.

Eine Hollywood-Diva ist jedenfalls doch fest eingeplant: Meryl Streep wird mit einem Ehrenbären für ihr facettenreiches Lebenswerk ausgezeichnet. Vor der Preisverleihung wird ihr neuer Film The Iron Lady, ein Porträt von Margret Thatcher, zum ersten Mal in Deutschland zu sehen sein: In Großbritannien streiten sich die Filmkritiker und Leitartikler von links bis rechts bereits seit einigen Wochen, ob die streitbare Ex-Politikerin zu einseitig dargestellt ist.

Darüber und über anderes Wissenswertes wird /e-politik.de/ wieder vom 9. bis 19. Februasr aus den Berliner Festival-Kinos berichten.

Die 62. Berlinale

Die Bildrechte liegen bei den Internationalen Filmfestspielen Berlin.

Dea Lohers "Diebe": Desillusionierte, taumelnde Gestalten

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Mon, 30 Jan 2012 19:01:00 +0100

Das Deutsche Theater Berlin machte angesichts der sibirischen Kälte, die von Osten hereinbricht, das einzig Vernünftige und genießt eine Woche lang Ferien. Davor war noch eine Werkschau der Dramatikerin Dea Loher zu erleben: Ihr Stück Diebe wurde 2010 als Auftragsarbeit des Deutschen Theaters uraufgeführt und anschließend auch als eine der zehn besten Inszenierungen zum Theatertreffen eingeladen.

Regisseur Andreas Kriegenburg, der zuvor schon zahlreiche Loher-Texte auf die Bühne gebracht hatte, fand für das Bühnenbild eine interessante Idee: Ein großes Mühlrad, das an die mittelalterlichen Darstellungen der Räder des Schicksals anknüpft, dreht sich unerbittlich im Zentrum der Bühne. Mit jeder Umdrehung spuckt es die Protagonisten aus, die sichtlich um Halt ringen. Die kleinen Miniaturen zeigen Menschen, die verängstigt und desillusioniert sind. In geduckter Haltung schleichen sie durch ihr Leben, träumen von einer glücklicheren Zeit, stecken aber doch im Morast ihrer beengten Verhältnisse fest.

Tragikomisch sind diese Figuren, wie die Supermarkt-Angestellte Monika Tomason (Barbara Heynen), die vom Aufstieg zur Filialleiterin in Holland träumt und deswegen schon fleißig die Sprache lernt, am Ende aber doch wegrationalisiert wird, oder Linda Tomason (Judith Hoffmann), die sich in ihrer Einsamkeit eine Kleinfamilie an ihren Frühstuckstisch dazuerfindet. Die meisten Lacher entlockt das Ehepaar Schmitt (Bernd Moss und Katrin Klein) dem Publikum, die völlig verängstigt sind, da sie sich von einem undefinierbaren Tier beobachtet fühlen. Ihre kleinbürgerliche Idylle wird am Ende aber gar nicht von einem Tier bedroht, sondern von einem unheimlichen Besucher, der sich als Beobachter in ihrem Wohnzimmer breitmacht, bis ihnen der Geduldsfaden reißt und sie ihn erschlagen.

Die Grundstimmung dieser Miniaturen und taumelnden Gestalten schwankt zwischen Melancholie und Aberwitz, angesichts der Länge von fast 4 Stunden hätten einige Striche in der Textfassung den Theaterabend noch dichter gemacht.

Diebe am Deutschen Theater Berlin

Crossover-Barock Lounge im Radialsystem V

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Fri, 27 Jan 2012 18:03:13 +0100

Das Radialsystem V, das für seine Experimentierfreude bekannt ist, brachte Musiker aus zwei sehr unterschiedlichen Musikrichtungen zu einem ungewöhnlichen Hörerlebnis zusammen. In der Veranstaltungsreihe Barock Lounge traf das Hamburger Barockorchester Elbipolis auf Brezel Göring, der von den Elektro-Pionieren wie Kraftwerk geprägt wurde und ansonsten gemeinsam mit Françoise Cactus mit liebenswert-skurrilen Texten als das Pop-Duo Stereo Total auftritt.

Alles beginnt so, wie man es auch aus klassischen Konzertsälen kennt: Edel gekleidete Damen und Herren spielen auf Violine, Violoncello, Laute und Cembalo eine Sinfonie von Georg Friedrich Händel. Nach dem Allegro greift Brezel Göring ein, der sich hinter einem Mischpult inklusive Kabelgewirr verschanzt hat, und sampelt einige Motive. Mal wird der Originalklang komplett zerstört und endet in wildem Fiepen, mal improvisiert er nur um die klar erkennbare barocke Klangfülle herum. Den größten Spaß scheinen die Barock-Musiker selbst zu haben, die nach jedem Stück gespannt sind, was ihr DJ aus Ohrwürmern wie Greensleaves oder Sonaten von Antonio Vivaldi macht.

Passend zum Lounge-Charakter ist auch die Bestuhlung: Hinten gibt es unbequeme Plastikstühle, vorne angenehme Sitzwürfel mit Blick auf die Spree. Nach knapp siebzig Minuten und einigen Zugaben endete dieser Clash der Stile, die Reihe, die 2008 in Kooperation mit NDR und Kampnagel in Hamburg, begann, wird aber sicher mit neuen interessanten Paarungen fortgesetzt.

Das Radialsystem V

Sartres Drama über Politik und Moral: "Schmutzige Hände"

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Mon, 23 Jan 2012 19:30:00 +0100

1948, unter dem noch frischen Eindruck der Kollaboration des Vichy-Regimes mit den Nazis und angesichts der Moskau-hörigen Regierungen, die in Mittel-und Osteuropa eingesetzt wurden, schrieb Sartre ein Stück, das damals von der sogenannten bürgerlichen Presse in Frankreich gefeiert wurde.

In Die schmutzigen Hände beschreibt der Vordenker der existenzialistischen Philosophie das Schicksal von Hugo, der aus wohlhabendem Haus stammt und sich der kommunistischen Partei als Zeitungsredakteur anschließt. Ihn drängt es weg vom Schreibtisch, hin zur Tat. Von den Kadern seiner Partei erhält er schließlich den Auftrag, den Parteichef Hoederer zu liquidieren. Ihm wird von seinen Parteifreunden unterstellt, heimlich einen Pakt mit den Nazis schmieden zu wollen.

Ole Lagerpusch gibt den jungen Hugo mit nervösen Ticks und lebenslustiger Frau (Katharina Marie Schubert), die das von bedrückenden grauen Betonquadern hermetisch abgeschirmte Anwesen Hoederers mit ihrer Mischung aus Naivität und Laszivität aufmischt. Hugo ringt mit sich, die charismatische Ausstrahlung von Hoederer (Uli Matthes) zieht in in ihren Bann und er ist unfähig, seinen Auftrag auszuführen. Bis er ihn letztlich doch ausführt, allerdings aus Eifersucht, nach einer Liebesszene zwischen seiner Frau und Hoederer.

Die Konservativen in Frankreich waren damals vor allem deshalb so begeistert von dem Stück, da Sartre als linker Intellektueller ihren politischen Gegner, die kommunistische Partei, als Schlangengrube des Verrats und die Hauptfigur des Hugo als unfähigen Zauderer zeichnete.

Jenseits dieser vordergründigen Interpretation geht es in dem Stück grundsätzlicher um das Verhältnis zwischen Politik und Moral: Hoederer, mit allen Winkelzügen der Politik vertraut, ist in den Streitgesprächen des dialoglastigen Politdramas davon überzeugt, dass es nicht möglich ist, sich im politischen Geschäft die Finger nicht schmutzig zu machen und nie zu lügen.

Besonders interessant ist diesmal das Programmheft gestaltet: Die verantwortliche Dramaturgin Annika Steinhoff ordnet das Drama mit dem Nachdruck kürzerer philiosophischer Texte und eines ausführlichen Original-Interviews Sartres aus den 60ern in das Denken des Philosophen ein und kontrastriert seine Thesen mit neueren Feuilleton-Texten wie dem ZEIT-Gespräch mit Stephane Hessel und Richard David Precht.

"Die schmutzigen Hände" hat keine überraschenden Inszenierungsideen - von dem erwähnten klaustrophobischen Bühnenbild abgesehen. Regisseurin Jette Steckel konzentriert sich ganz auf die Kraft von Sartres Dialogen, die nachhallen und zu weiteren Debatten über das Verhältnis von Moral und Politik einladen. Diese sind aktuell sicher so notwendig wie eh und je, wie jüngste Ereignisse bewiesen.

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"Kleine Utopien": Jenseits von Wachstum und Fortschritt

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Thu, 19 Jan 2012 20:42:00 +0100

Im sehr gediegen eingerichteten Saal des Deutschen Theaters finden regelmäßig Gastvorträge von Wissenschaftlern verschiedener Fachrichtungen statt, die sich in dieser Spielzeit dem Oberthema Kleine Utopien widmen.

Vor mehr als dreißig Jahren warnte der Club of Rom e vor den Grenzen des Wachstums, Umweltbewegung und Grüne sorgtem dafür, dass der Umweltschutz bei allen Parteien groß geschrieben wird, seit einigen Monaten arbeitet sich eine Enquete-Kommission des Bundestages am Wachstumsbegriff und dem Unterschied zwischen qualitativ und quantitativem Wachstum ab.

In diese Debatte griff an diesem Mittwoch Professor Ludger Heidbrink vom Kulturwissenschaftlichen Institut Essen ein: Vor einer kleinen, aber feinen Zahl von Besuchern stellte er die These auf, dass sich die Deutschen zwar als Öko-Vorreiter sehen und auf ihre Mülltrennung stolz sind, ein wirklicher Bewusstseinswandel hin zu einer ressourcenschonenden Lebensweise in Lippenbekenntnisen stecken bleibt.

In den interessantesten Passagen seines Vortrags zeichnete er nach, wie tief der Glaube an Fortschritt und Wachstum mental eingeschrieben ist und das Alltagshandeln bestimmt. Statt weiterer Aufklärungskampagnen, die an die Vernunft appelieren, schlägt er vor, sich auf die Listen des Odysseus zu besinnen.

Als konkretes Beispiel schlug er vor, dass die Stadtwerke ihre bisherige Geschäftspolitik umdrehen und den Ökostrom statt als Wahltarif gleich im Regelfall anbieten sollten. Wer die menschliche Trägheit miteinkalkuliert, wird vermuten, dass dann nur die wenigsten aus dem Ökostrom in andere Tarife wechseln werden.

Kleine Utopien

Starbesetzung auf "Einsamem Weg" plus Merkels Sprecher

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Sun, 08 Jan 2012 16:50:16 +0100

Seit 2009 ist Arthur Schnitzers selten gespieltes Drama Der einsame Weg auf der Bühne des Deutschen Theaters zu sehen. Die Besetzungsliste liest sich wie ein All-Star-Team der deutschsprachigen Schauspielkunst: Nina Hoss, Ulrich Matthes, Almut Zilcher, Ernst Stötzner, Barbara Schnitzler lauten die klangvollen Namen, die der preisgekrönte Filmregisseur Christian Petzold (Innere Sicherheit, Yella, Wolfsburg, Gespenster, Jerichos) bei seinem Theaterdebüt um sich scharte.

Wie bei Schnitzler, des Zeitgenossen von Sigmund Freud, üblich steigt auch dieser Text tief hinab in die Seelenqualen seiner Figuren. Lebenslügen und die Zwänge gesellschaftlicher Konventionen werden angesichts eines vor 23 Jahren unehelich gezeugten Kindes im Wiener Künstler-Milieu aufgespürt und verhandelt. In sehr elaboriertem Ton und sehr aufrecht schreitend leiden die Akteure auf der Bühne an sich selbst und an einander.

Auch wenn der Beifall sehr freundlich war, sprang doch kein rechter Funke über. Alles wirkt wie ein ruhig dahinfließendes Konversationsstück aus fernen Zeiten, die schon mehr als ein Jahrhundert zurückliegen. Der Regierungssprecher Steffen Seibert wird es genossen haben: Nach einer anstrengenden Arbeitswoche, in dem er immer neue Enthüllungen über den Bundespräsidenten aus so unterschiedlichen Medien wie BILD, SPIEGEL, SZ und FAS lesen musste und anschließend sichtlich Mühe hatte, als Sprachrohr der Kanzlerin die richtige Mischung aus vorsichtiger Distanz und Doch-nicht-fallen-lassen zu finden, war dieser Theaterabend sicher ein wesentlich entspannterer Gegenpol ohne weitere Aufregung.

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"Das Ding": Amüsante Komödie über die Globalisierung

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Thu, 05 Jan 2012 23:59:46 +0100

In der Box, der kleinen Experimentierbühne hinter der Bar des Deutschen Theaters, ist in diesen Wochen ein erfrischender Beitrag zur Globalisierungsdebatte zu erleben: Philipp Löhle, ein Nachwuchsdramatiker, der für seine pointierten Stücke bereits mit einigen Preisen ausgezeichnet wurde, zeichnet den "Lebensweg" einer Baumwollfluse nach.

Der gesamte Bühnenraum ist mit den watteartigen Knäueln übersät, nach und nach schälen sich die Schauspieler an die Oberfläche: Olivia Gräser, neben Christoph Franken, das einzige Ensemble-Mitglied des Deutschen Theaters an diesem Abend, spielt mit einer Mischung aus Witz und Naivität die Titelrolle als Das Ding: Mit großen Augen und akrobatischen Einlagen schildert sie den Weg der Baumwollfluse von der Ernte in Südamerika über die Container-Verschiffung nach China, die dortige Verarbeitung in einem Fußballer-Trikot, die durchgeschwitzten Freudentänze auf deutschen Fußball-Plätzen in Amateurligen bis zur Odyssee durch mehrere Müll-Sortieranlagen.

Geschickt verknüpft dieser kurzweilige Text die Reise der Baumwollfluse mit einigen Nebensträngen: Wie beeinflusst die globale Vernetzung der Produktions-, Kommunikations- und Handelswege das Leben des afrikanischen Soja-Bauern Siwa, der frustrierten Romanistin Katrin oder des chinesischen Kleinunternehmers Li?

Die richtige Würze verleihen diesem Abend die Spielfreude und der volle Körpereinsatz der Studenten der renommierten Schauspielschule Ernst Busch: Moritz Peschke trifft den richtigen Ton in verschiedenen Dialekten von Wienerisch bis Schwäbisch und schlüpft in verschiedene kleine Rollen. Aram Tafreshian und Iris Becher bekriegen sich als Ehepaar, zwischen denen wohl nie wirkliche Liebe herrschte. Kilian Ponert wechselt in den verschiedenen Szenen zwischen dem Chinesen Li und dem Afrikaner Siwa hin und her. Pascal Houdus startet als idealistischer Sunnyboy seine Mission als Entwicklungshelfer und findet sich am Ende nackt und gefesselt auf dem Boden der Tatsachen wieder.

Lesenswert ist auch das kurze Interview mit dem Autor Philipp Löhle im Programmheft, wo er beschreibt, wie ihm auf einer Reise nach Südamerika hautnah bewusst wurde, wie sehr die Globalisierung das Leben jedes Einzelnen mittlerweile prägt.

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Höhepunkt des Kabarettjahres: Jahresendzeitprogramm

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Tue, 20 Dec 2011 15:31:09 +0100

Das Jahresendzeitprogramm im Mehringhoftheater hat sich zu einer festen Institution im Berliner Kulturkalender entwickelt. Vor restlos ausverkauftem Haus werden Angela Merkel alias Christoph Jungmann und ihre Kollegen Horst Evers, Hannes Heesch, Bov Bjerg und Manfred Maurenbrecher, der sich wie immer erst kurz vor Beginn auf den letzten Drücker durch die engen Stuhlreihen hinter die Bühne durchkämpft, noch bis Anfang Januar auf das turbulente Jahr 2011 zurückblicken.

Das Markenzeichen der seit Jahren eingespielten Truppe ist es, bekannte Melodien treffsicher umzutexten: Der gegelte Baron zu Guttenberg bekommt zu Kraftwerks Model sein Fett für seine Plagiate und seinen Comebackversuch weg. Mittlerweile singt das Publikum bei diesem Sahnehäubchen direkt nach der Pause auch schon lauthals mit.

Angela Merkel verklärt ihre zahlreichen Kehrtwenden in der Atompolitik zu Rio Reisers Junimond und trifft sich zu Ehren von Loriot mit Nicolas Sarkozy, der sie mit der Nudel auf seiner Nase so sprachlos macht wie Evelyn Hamann, als er seiner "Annnnggeeellaaaa" seine tiefen Gefühle für ihre Führungskünste, ihre Triple A-Bonität und ihren prall gefüllten Geldbeutel gesteht.

Pünktlich zum Jahresendzeitprogramm zauberte die Berliner S-Bahn mal wieder einen mehrstündigen Totalausfall auf die Gleise. Bei der zweiten Vorstellung am vergangenen Mittwoch fehlte die Ode an die Verantwortlichen leider. Aber spätestens jetzt muss dieser Klassiker des Programms der vergangenen Jahre wieder auf die Bühne.

Guido Westerwelle, der sich in den vergangenen Jahren noch als Möchtegern-Co-Conferencier aufgespielt hat, wurde wie auch im richtigen Leben zurückgestuft. Für ihn reicht es nur noch dazu, den lieben Nicolas zum Flughafen zu chauffieren und die Stellwand für Horst Evers Jahresvorausschau auf das Jahr 2012 aufzubauen.

All zu viel Mut brauchte Horst Evers wirklich nicht für seinen Ausblick aufs nächste Jahr: Sehr wahrscheinlich werden die Medien auch dann wieder alle paar Wochen in Weltuntergangsstimmung dem alles entscheidenden Euro-Krisengipfel entgegenfiebern, zwei Tage lang das Traumpaar Merkozy als große Helden feiern und dann feststellen, dass letztlich doch wieder nur Absichtserklärungen hinter den Wortgirlanden zum Vorschein kommen. Bis dann wenige Wochen später auf Druck von Märkten und Medien der nächste Gipfel ansteht.

Das Jahresendzeitprogramm ist ein Highlight des Berliner Kabarettjahres, das man nicht verpassen sollte. Wer für die aktuellen Vorstellungen bis 7. Januar keine Karte mehr bekommen hat, wird es nicht bereuen, sich im nächsten Herbst frühzeitig Tickets für diesen sehr lohnenden Abend zu sichern.

Das Mehringhoftheater

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Samuel Finzis "A night at the movies"

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Wed, 14 Dec 2011 16:44:00 +0100

Die Bar des Deutschen Theaters war sehr gut besucht, als Samuel Finzi einen Streifzug durch populäre Filme, meist aus Hollywood, präsentierte. Knapp eine Stunde lang hangelte er sich entlang der Texthäppchen aus Woody Allens Stadtneurotiker, Stanley Kubricks 2001 - Odyssee durch den Weltraum oder Oliver Stones Wall Street.

Begleitet von seinen beiden Musikern Georgi Donchev und Daniel Regenberg streut er einige Soundbites in seinen Liederabend A night at the movies ein, und tänzelt in skurrilen Posen über die kleine, improvisiert wirkende Bühne.

Ein Filmquiz zum Mitraten, aber ganz ohne Auflösung am Ende. Auch sonst blieb der Spannungsbogen dieses Experiments eher flach.

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Gysi trifft Altmeister des politischen Kabaretts

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Tue, 13 Dec 2011 17:36:00 +0100

Vor der längeren Weihnachtspause empfing Gregor Gysi einen besonderen Gast in seiner Matinee am Deutschen Theater: Den Altmeister des politischen Kabaretts, Dieter Hildebrandt. Mit 84 Jahren noch hellwach erzählte er ausführlich seine prägenden Kriegserlebnisse inklusive anschließender Gefangenschaft und Hunger als Vertreter der Flakhelfer-Generation. In Schlesien auf dem Land geboren entging er mit viel Glück und dank der Befehlsverweigerung eines Vorgesetzten dem schicksal, noch in den letzten Monaten des Krieges als Kanonenfutter verheizt zu werden.

Für pointenreiche Seitenheibe gegen das aktuelle politische Personal der schwarz-gelben Bundesregierung bleib kaum Zeit. Stattdessen schilderte Hildebrandt seine ersten Gehversuche auf den Bühnen: Vom Platzanweiser in Schwabinger Kleinkunstbühnen über Studentenkabarett führte ihn sein Weg zur Gründung der legendären Münchener Lach- und Schiessgesellschaft, deren Fernsehübertragungen in den 1960er Jahren quotenträchtige Ereignisse waren.

Süffisant schilderte er, wie die ZDF-Verwaltungsräte und Programmverantwortlichen in den späten 1970ern bei seinen Notizen aus der Provinz kalte Füße bekamen und die Sendung schließlich 1980 absetzten. Dass es keinen Zusammenhang mit der damaligen Kanzlerkandidatur von Franz Josef Strauss gab, wird wohl kaum jemand vermuten.

In den 1980ern war der Scheibenwischer, den der Sender Freies Berlin donnerstags mehrmals pro Jahr für das ARD-Gemeinschaftsprogramm produzierte, ein Pflichttermin. Vor allem die Ausgabe im Frühjahr 1986 nach dem GAU von Tschernobyl sorgte für Aufruhr, da sich der CSU-dominierte Bayerische Rundfunk aus dem gemeinsamen Programm ausschaltete und die Sendung damit erst recht aufwertete.

Zur selben Zeit gastierte er auch gemeinsam mit dem Österreicher Werner Schneyder in Leipzig, wo Hildebrandt erleben durfte, wie aufmerksam das Publikum auf jeden Zwischenton gegen die Obrigkeit achtete.

Kriegenburgs "Käthchen von Heilbronn" im Leerlauf

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Mon, 12 Dec 2011 18:49:00 +0100

Im 200. Todesjahr Heinrich von Kleists kommt man an seinen Dramen in Berlin und auf vielen anderen Bühnen kaum vorbei. Andreas Kriegenburg brachte pünktlich zum 3. Advent sein Liebes-, Schauer- und Ritterdrama Käthchen von Heilbronn auf die Bühne des Deutschen Theaters. So stand es zumindest im Programmheft. Tatsächlich handelte es sich, wie Hartmut Krug im Deutschlandfunk resümierte, um eine Ausweichbewegung, in der sich der Hausregisseur im wahrsten Sinne des Wortes verzettelte.

Bezeichnend war schon, dass die Dramaturgin Sonja Anders in der wohl längsten Stückeinfrührungen der vergangenen Spielzeiten, Mühe hatte, einen halbwegs kompromierten Überblick über die antiquierte Dramenhandlung und die verkopften Grundzüge der Regie zu geben.

Das Publikum findet sich in einem riesigen Zettelkasten wieder, sechs Schauspieler wechseln sich in einem anstrengenden Dauer-Rollen- und Kleidertausch darin ab, eine Strichfassung des Dramas sowie Briefe von Kleist zu sprechen. Wie immer in Kriegenburgs Inszenierungen sind die Puppen und Ritterrüstungen oder viele andere kleine Details in mühe- und liebevoller Arbeit gestaltet, aber das hält einen Abend kaum zusammen, der nicht so recht weiß, wo er hin will.

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Maren Eggert glänzt in Orestie-Bearbeitung

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Thu, 08 Dec 2011 17:30:00 +0100

In langen Reifröcken, wie sie zur Zeit des Amerikanischen Bürgerkriegs Mode waren, zanken sich Mutter Christine (Friederike Kemmer) und Tochter Lavinia (Maren Eggert) wegen der Liebeswirren der Familie Mannon, die am Ende alle gemeinsam in den Abgrund reißen. Die Orestie von Aischylos wurde mit Constanze Becker in der Hauptrolle im Jahr 2007 auf der Bühne des Deutschen Theaters von der Kritik gewürdigt und vom Publikum sehr geschätzt. In diesem Herbst brachte Stefan Kimmig das Stück Trauer muss Elektra tragen auf die Bühne des Großen Hauses: Die klassische Tragödie der Atriden-Saga wurde von Eugene O´Neill 1931 in das Neuengland der Sezessionskriege verfrachtet und mit den Erkenntnissen von Sigmund Freuds Psychoanalyse angereichert.

Die Tochter erträgt nicht, dass ihre Mutter die Abwesenheit des Vaters im Krieg, für den sie längst nichts mehr empfindet, für eine leidenschaftliche Affäre mit Adam Brandt (Bernd Moss) nutzt. Sie treibt ihren Bruder Orin (Alexander Khuon) zu einem blutigen Rachefeldzug gegen die eigene Mutter. Maren Eggert zeigt als Hauptfigur den ganzen Facettenreichtum ihres Könnens und hält die Fäden des Knäuels, das sich immer auswegloser verstrickt, in der Hand.

Erstaunlich ist, mit welcher Wut zahlreiche Feuilletons nach der Premiere gegen einen aus ihrer Sicht überflüssigen und verstaubten Abend anschrieben. Eugene O´Neills Drama sollte am besten von allen Spielplänen verschwinden, weil es misslungen sei, lautet der Tenor der Kritikenrundschau auf nachtkritik.

Es stimmt, dass der ganze Abend eher konventionell und ohne große Überraschungen inszeniert ist. Aber die schauspielerischen Leistungen sind einen Besuch wert.

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Weltkino der Extraklasse: Japanische Favoriten

nospam@example.com (Konrad Kögler) — Wed, 07 Dec 2011 18:24:00 +0100

Zum 6. Mal fand im Berliner Kino Babylon ein besonderes Festival statt, das in der Fülle der Veranstaltungen herausragt. Pünktlich zum Adventsbeginn laden die Organisatoren zur Entdeckungsreise Around the world in 14 films ein: Die Highlights aus Cannes, Venedig, San Sebastian, Locarno oder Toronto, die sonst untergehen würden, wahrscheinlich nie in deutschen Kinos zu sehen wären und höchstens auf DVD einen Verleih finden würden, werden von prominenten Paten und mit interessanten Gesprächsrunden eine Woche lang präsentiert.

Der spannendste und bildgewaltigste Beitrag stammte aus Japan: Sono Sion fasste sich in Cold Fish zum Abschluss seiner Hass-Trilogie für seine Verhältnisse erstaunlich kurz: Nach Love Exposure, der mit einem wilden Mix aus Bolero-Klängen, religiösen Symbolen und Rache-Plots mehr als vier Stunden im Forum der Berlinale für volle Kinosäle sorgte, zaubert der Regisseur diesmal 144 Minuten lang ein diabolisches kleines Meisterwerk voller rabenschwarzem Humor auf die Leinwand. Ein eiskalter Geschäftsmann mit jovialer Fassade macht seinen Geschäftspartnern Angebote, die sie nicht ablehnen können, und lässt sie mit sehr ausgefeilten Techniken verschwinden, wenn sie es wagen, seinen Plänen zu widersprachen. In einer temporeichen Geschichte voller Ideen schwelgt der Film in seiner eigenen sarkastischen Parallelwelt.

Surreal und voller Halluzinationen, aber dennoch hochpolitisch ging es zur Eröffnung bei Mad Circus - Eine Ballade von Liebe und Tod zu. Der spanische Regisseur Alex de la Iglesia steht hierzulande bisher im Schatten von Pedro Almodóvar, zeigte aber in einigen seiner Filme bereits erstaunliche Kunstfertigkeit. In seinem Parforce-Ritt durch die spanische Geschichte widmet sich der Film vor allem den Massakern des Bürgerkriegs und den bleiernen Franco-Jahren. Mit grausamen Splatter-Gemetzeln und symbolisch aufgeladenen Szenen über einen bösen Clown, der den Diktator darstellen soll, und einen traurigen Clown, der für den Widerstand steht, inszeniert de la Iglesia einen Film, der sich an seinen Bildern berauscht und das Publikum spaltet. Die Jury unter Vorsitz von Quentin Tarantino zeichnete Mad Circus für die Beste Regie und das Beste Drehbuch aus. Die Brutalität der albtraumhaften Szenen ist auf die Dauer aber sehr zermürbend, wie auch der prominente Filmpate Volker Schlöndorff warnte. Vieles wirkt auch zu sehr wie L´art pour l´art.

Sehr viel ruhiger ging es beim iranischen Film Good Bye von Mohammad Rasoulof zu, der im Oktober zu einer einjährigen Gefängnisstrafe verurteilt wurde: In beklemmenden Einstellungen folgt er dem Kampf einer jungen Anwältin, die zunächst ihre Arbeitserlaubnis verliert und anschließend mit den Behörden um ein Ausreisevisum ringt. Der Film wurde im Sommer heimlich zum Festival nach Cannes geschmuggelt und wurde dort mit dem Hauptpreis der Reihe Un Certain Regard ausgezeichnet.

Weniger explizit, aber doch wahrnehmbar werden die gesellschaftlichen Konflikte in den Beiträgen aus Marokko und Russland verhandelt: Leila Kilani porträtiert in On the edge die Wut junger Arbeiterinnen in einer Shrimps-Fabrik, die vom besseren Leben in Freihandelszonen an der Küste oder in Europa träumen. Ihre gehetzten Blicke, ihre wilden Raps und ihre aufgestaute Energie lassen erahnen, welche Konflikte zum Arabischen Frühling führten. Die enorme soziale Kluft in Russland thematisiert Elena von Andrei Zvyangitsev, der von Ulrich Matthes voller Begeisterung vorgestellt wurde, aber manchmal etwas plakativ war: Elena heiratete einen Neureichen, der den größten Teil seines Vermögens seiner verwöhnten Tochter vererben möchte. Sie pendelt zwischen zwei Welten: Ihrem neuen Leben in der Luxus-Villa und der Sozialwohnung, in der ihr Sohn mit seiner Familie haust.

Musikalisch konnten die Small Town Murder Songs des Kanadiers Ed Gass-Donnelly am meisten überzeugen: Den Soundtrack zu diesem düsteren Film Noir über Morde in einer Mennonitengemeinde lieferte Bruce Peninsula mit Gospel-, Rock- und Percussion-Klängen.

Für Freunde des Bollywood-Kinos ist Raavanan empfehlenswert. Diese tamilische Dreiecksgeschichte ist gespickt mit Anspielungen auf archaische Mythen, stilisierten Action-Einlagen und schwülstigen Gefühlsausbrüchen, unter denen die Hauptdarstellerin, das L´Oreál-Model Aishwarya Rai Bachchan ausdrucksstark leidet.

Festival Around the world in 14 films